Slapstick (traducido del inglés: «bufonada») es un tipo de comedia que implica exageración de la violencia física (por ejemplo, un personaje golpeado en la cara con una sartén o que se estampa a toda velocidad contra una pared). Este estilo es muy común en los tipos de entretenimiento en los cuales se da por hecho que el público entiende (y cabe decir que espera) la naturaleza hiperbólica de tal violencia en la que se exceden los límites del sentido común, permitiendo así una risa no cruel. Sus mayores representaciones se encuentran actualmente en los dibujos animados “cartoons” y en las películas cómicas de argumentos simples, normalmente dirigidas a un público joven. Aunque a veces se utiliza el término peyorativamente, la interpretación de la comedia slapstick, basada en una medición del ritmo exquisita, una ejecución calculada al milímetro, reacción del personaje y risa del público está considerada como una de las tareas más difíciles que un actor puede realizar.
El estilo se deriva de la Commedia dell’arte que empleaba gran cantidad de abusos físicos y caídas. El nombre deriva de battacio, un objeto parecido a un leño formado por dos listones de madera que al golpear producían un ruido como de una fuerte bofetada, aunque en realidad al golpeado le llegaba poca fuerza del objeto en cuestión (llamado en inglés slap stick, de donde se deriva el nombre), lo cual permitía a los actores golpearse el uno al otro continuamente provocando un gran efecto pero muy poco daño real. Esto puede ser considerado como una forma rudimentaria de efectos especiales.
Buena parte de la forma actual de este tipo de comedias se fue construyendo en las comedias étnicas del vodevil americano de los siglos XIX y principios del XX. El estilo fue extensamente explorado en las películas cómicas mudas en blanco y negro. Las escenas con lanzamientos de tartas de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas fueron dirigidas por Mack Sennett (que descubrió a Chaplin,Lloyd, Turpin, Langdon…) y Hal Roach. Como protagonistas encontramos a actores tan notables como Buster Keaton, Charlie Chaplin, Laurel y Hardy o Los tres chiflados. Quizás este tipo de escenas se dan como reacción a la época difícil marcada por la Guerra Europea. El slapstick es también muy común en los dibujos animados tales como Tom y Jerry o Looney Tunes.
Recientemente, varios grupos de personas han criticado la representación de la violencia por fomentar la violencia real. La comedia slapstick no ha podido escapar a esta atención negativa ante las críticas, aunque su larguísima presencia en el mundo de la representación y su carácter obviamente ficticio a menudo le hacen librarse de la atención de los hipercríticos. En efecto, la presencia ininterrumpida del slapstick -con películas dirigidas por directores que van desde Buster Keatona Mel Brooks o los hermanos Farrelly, y su interpretación por actores que van deJackie Gleason a Rowan Atkinson- hace suponer su permanencia dentro del paisaje cómico. Jerry Lewis fue uno de los cómicos más importantes del cine de los años 50 y 60 que revitalizó con ingenio la antigua tradición del slapstick y el absurdo. Nació el 16 de marzo de 1926 en Newark, New Jersey (Estados Unidos), en el seno de una familia de comediantes. Su nombre real era el de Joseph Levitch. Siendo sus progenitores cómicos, al joven Joseph no le quedaba otra que convertirse desde su más tierna infancia en actor acompañando primero a su familia y posteriormente emprendiendo una carrera en solitario hasta su encuentro con el cantante Dean Martin. Sus números, que compaginaban la comedia y la música, fueron un éxito y la pareja Martin/Lewis se convirtió pronto en una celebridad dentro del circuito cómico del país estadounidense. La ruptura De Martin alentó a Jerry a entregarse aún más en cuerpo y alma al mundo del cine ya que amplió su faceta de actor con la de productor, guionista y director. La parte final de los años 50 fue muy exitosa para Lewis con títulos como “Delicado Delincuente” (1957) de Don McGuire o “Yo Soy El Padre y La Madre” (1958). Su primer esfuerzo como guionista y dirección fue cumplimentado con la estimable “El Botones” (1960), un film alabado incluso por el propio Charles Chaplin. Primer e interesante trabajo como director del cómico Jerry Lewis (también guionista), construyendo un film que descansa más que en una trama en un encadenado de sketches, deudores de los grandes del cine mudo de Hollywood y del cómico francésJacquest Tati(no en vano el personaje de Lewis no pronuncia una sola frase hasta la última escena). Los momentos de ingeniosa comicidad en la edificación de gags son notables y la película (rodada en blanco y negro) muy recomendable para los seguidores de Jerry Lewis y su slapstick de corte surrealista y atolondrado que no oculta una vision sarcástica de la sociedad que le rodea.
Oleg Popov abrió los ojos por primera vez en Vierobovo, un pueblo ruso situado a unos kilómetros de la capital, Moscú. Es el mas célebre payaso de la era soviética. Fue proclamado Artista del pueblo de la URSS. Su popularidad en la unión soviética, era comparable a la de Charlie Chaplin. Conquistó la fama en 1954 y fue enviado en gira por el mundo como payaso oficial. Su principal objetivo como ha declarado a menudo es “cread alegría, y no sólo busquéis la risa por sistema”. Actualmente vive cerca de Nuremberg y a los ochenta años sigue trabajando. La estrella que brilló en el circo soviético, el clown en activo con más edad de todo el mundo, Oleg Popov, pasa medio año de gira:
Oleg Popov, el clown más mayor del mundo, no retira su nariz roja
Escrito por: Marie-Laure Michel-AFP | LA HAYA, 2011 enero 09
«El ha hecho historia y se ha convertido famoso en todo el mundo, he aquí el verdadero, el único Oleg Popov», bromea el maestro de la ceremonia ante mil espectadores, en la carpa del Gran Circo Estatal Ruso, montada en la Haya. Un hombre pequeño con una gorra a cuadros negro y blanco entra en la pista. Su chaqueta negra es demasiado corta, el pantalón a rayas le llega a la mitad de las pantorrillas, su nariz es de color rojo, al igual que su pajarita. Con su esposa Gabriela, de 49 años, hace malabares y magia.
Comenzó a actuar como clown en el año 1949, en la URSS, y parece no aburrirse. «El trabajo de payaso es muy interesante porque es una obra de arte, y el arte es un mar sin fin», explica a la agencia AFP en su camerino, decorado con globos y maletas de cartón.
«Siempre hay nuevas ideas», asegura este hombre de ojos azules y brillantes. «Me gusta hacer reir a la gente, también en privado. Soy muy feliz; si volviera a nacer, también sería payaso», declara. Nacido en Moscú en 1930, en el seno de una familia pobre y sin relación con el circo, empezó su andadura en la escuela de la ciudad, donde aprendió a hacer malabares mientras caminaba por una cuerda. A los 19, comenzó su carrera como payaso.
En 1956 salió por primera vez de la Unión Soviética: el régimen, que consideraba el clown bueno para su imagen, lo envió de gira. «Francia, Australia, Estados Unidos, Japón, Israel, cuba…», enumera los países donde actuó durante más de treinta años.
«No creo que pudiera abandonar libremente la URSS: no tenía derecho a salir del circo y los agentes de KGB nos vigilaban constantemente», recuerda. Después del colapso de la URSS, decidió establecerse en Alemania, el país de su segunda esposa, Gabriela. Se casaron en 1991 y trabajaron juntos en varios circos.
Ahora, el clown en activo más mayor del mundo sale todos los años de gira durante seis meses con el Gran Circo Estatal Ruso, propiedad de una familia holandesa. Llenan de magia especialmente Alemania, pero también Bélgica, Luxemburgo y los Países Bajos.
El artista piensa que va a morir en el circo
Cuando no está de gira en el circo, Oleg Popov vive en una granja a unos treinta kilómetros de Nuremberg, rodeado de caballos, perros, conejos entrenados para las actuaciones. «Es muy humilde, a pesar de la fama», afirmó el jefe del circo, Thierry Dourain. «No tiene ínfulas de estrella, incluso cuando Vladimir Putin le llamó por teléfono por su cumpleaños». No dice cuándo se detendrá. «Piensa que va a morir en el circo, que un día Dios llamará a su camerino o a la pista», reveló el director, Willem Smitt.
AFP
Oleg Popov, una leyenda del Clown y del circo, ejecutando una rutina sobre cuerda floja.
Un clásico poético y melancólico de Popov, tambien llamado “Payaso sol“.
Joe Jackson Jr un claro exponente de payaso vagabundo en pista
Margaret Jackson dio a luz a su primer hijo, Joe Jr., el 30 de mayo de 1912. Joe creció y se hizo famoso por hacer el mismo gag sobre bicicleta que su padre Joe Jackson Sr. El padre antes de ser artista, era campeón austriaco de ciclismo. Comenzó como artista con un espectáculo serio de bicicleta, y después lo transformó en un espectáculo cómico en bicicleta y disfraz de vagabundo. Al preferir escenarios íntimos, trabajó casi exclusivamente en vodeviles y pequeños circos europeos. Su espectáculo le llevó a Inglaterra, Europa continental, Rusia, Turquía y gran parte de Estados Unidos. Animó a su hijo a que le relevara en el espectáculo, y éste fue representado bien por el padre o el hijo durante unos 100 años. Después de una representación en el teatro Roxy de Nueva York, Joe Jackson padre salió varias veces a saludar, y, finalmente, murió entre bastidores.
Joe Jackson Jr. Obtuvo el premio Payaso de plata en el Festival de circo de Montecarlo. Su bicicleta y traje pueden verse en el Museo de circo en Suecia. Cuando murió en 1991,dejó a fans incondicionales que nunca olvidarán al payaso vagabundo, el augusto solitario con pinceladas de marginado social, que intentaba dar un paseo con una bicicleta que se le caía a pedazos.
Joseph Francis “Buster” Keaton fue un famoso actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico.
Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, “Cara de piedra”. En España fue conocido artísticamente como Pamplinas. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó “Buster” (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.
Harold Lloyd nació a finales del siglo XIX fue actor, director y considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte. Lloyd actuó en 208 películas entre 1913y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Busker keaton y Charlie Chaplin forma el “triunvirato” de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro.
Tati es, uno de los grandes cómicos del séptimo arte, heredero directo de los maestros del mejor cine cómico mudo norteamericano y francés. Jacques Tati vuelve a las fuentes del viejo cine cómico y a la pureza del gag visual sin renunciar a un rico arsenal humorístico que extrae del mundo de los ruidos. Procedente del music-hall, había actuado en algunos filmes y producido varios cortometrajes, pero se impone con dos películas que dirige e interpreta y que marcan una fecha en la historia de la comicidad cinematográfica: Jour de fête (Día de fiesta, 1949), en la que vemos a un cartero en bicicleta intentando emular la velocidad de los americanos, y Les vacances de M. Hulot (Las vacaciones del Sr. Hulot, 1953), visión satírica del veraneo pequeñoburgués en una plácida localidad costera. La crítica del hombre moderno inserto en un avasallador mundo material le conducirá luego de modo natural a la crítica de la moderna civilización urbana —urbanismo, funcionalismo, diseño, automatismo— en Mon oncle (Mi tío, 1958) y en el laboriosísimo Playtime (1968), donde recurre a gags visuales propios del cine mudo y a otros puramente acústicos, línea que prosigue en Trafic (1970).
Acrobata, payaso, poeta y mago, James Thiérrée crea un mundo de invención infinita. Uno de los artistas más extraordinariamente versátiles de Europa, Thiérrée usa su talento pícaro para transformar objetos cotidianos en mágico ensueño que cautivan a los espectadores por su encanto e inspiración. James Thiérrée, nacido en 1974, es el hijo de Victoria Chaplin y Jean-BaptisteThiérrée (co-fundadores del Circo Imaginario más tarde conocido como Le Cirque Invisible). Cuando era niño, Thiérrée apareció en producciones de sus padres . A los quince años interpreta a Ariel en el Próspero de Peter Greenaway. Antes de cumplir los veinte años, James había viajado por todo el mundo y se había convertido en un experto en acrobacia, danza, trapecio y violín. Trabaja en el Piccolo Theater en Milán, bajo la tutela de Isabelle Sadoyan-Bouise y más tarde estudia en la Universidad de Harvard.En 1998, fundó la Compagnie du Hanneton (Hanneton en francés es un tipo de escarabajo) y comenzó a crear su propia obra.
La primera producción de la compañía fue “La Symphonie du Hanneton” o “The Junebug Symphony” (presentada el 1998 en Stockholm).
La Veillée des Abysses (La víspera de los abismos), surgida en 2003, posee un estilo similar, aunque algo más relacionado con la danza. “Si hay que definirlo, se podría decir que este es un espectáculo de circo, pero donde acrobacias, contorsionismo, danza y música componen un universo barroco de gran lirismo visual. Poesía estética, pues, que sirve para crear un mundo de fantasía, con tintes mágicos y surrealistas en el que unos actores/mimos/acróbatas de gran capacidad gestual y corporal provocan todo tipo de sensaciones a un público ávido de emociones.” Ni más decir que la escena del periódico muestra la capacidad cómica de Thiérrée y quizá sea un homenaje al estilo de su abuelo Charlie.
Au Revoir Parapluie (Adiós paraguas) Creada el 2007, se trata de un sugerente collage de danza, música, mímica y acrobacia, inspirado en el mito de Orfeo.
En Raoul ,Thierrée revisita los movimientos más modestos del cuerpo: una pierna cruzada, el vaivén de una mecedora o el vuelo de una mano hacia la barbilla para pintar la lucha cotidiana del hombre consigo mismo. Así empieza todo: un hombre en su casa intentando leer. A lo largo de 80 minutos Thierrée construye un poema dramático espacial habitado por un bestiario arquitectónico: varillas, velas de barco, animales de fortuna, cabezas de caballo de Troya con los elementos estructurales expuestos. Thierrée, poeta del cuerpo y del columpio, reta las tres dimensiones del espacio torciendo la cuarta: la de los símbolos.
Nola Raenació en Sydney, y emigró a Londres con su familia en 1963.
Se formó en la Royal Ballet School de Londres y estudió mimo con Marcel Marceau en París. Nola estrenó su primer solo en Le Monde du Festival de Nancy en 1975. Desde entonces ha creado 12 espectáculos de larga duración. Su combinación única de mimo, clown, títeres, danza y comedia se ha visto en casi todo el planeta .
En 1990 cambió radicalmente su estilo y comenzó a presentar obras de teatro cómico de larga duración donde se desarrolla un personaje sin palabras.The highly successful Elizabeth’s Last Stand , dirigida por Simon McBurney, es una pieza donde se explora la soledad de una mujer de edad madura, sus delirios de grandeza y como trata de recrear la corte de Isabel I de Inglaterra en su sala de estar.
En Mozart Preposteroso, Nola utiliza todas sus habilidades para presentar la fantasía de un payaso en la vida del músico. Nola es también directora, su especialidad son tragedias, convirtiéndolos en obras clown. Comenzó con La casa deBernarda Alba de García Lorca. También dirigió a la payasa Pepa Plana en la su obra Penelope basado en el mito griego de Ulises.Upper Cuts es una colección de los mejores sketches de Nola.
El talentoso músico nacido en Suiza, que tocaba 24 instrumentos Adrien Wettach (Grock), se convirtió en el rey de los payasos en el año 1900. El que en su tiempo fue considerado el artista mejor pagado de Europa se arruinó tras comprar una carpa de circo para su espectáculo de variedades tras la Segunda Guerra Mundial, pero se recuperó económicamente tras varias giras de éxito. Su última actuación, a la edad de 74 años, fue el 30 de Octubre de 1954 en Hamburgo, Alemania. Grock escribió varios libros, entre ellos su autobiografía, Die Memorien des Königs der Clowns (Las memorias del rey de los payasos).
Slapstick (traducido del inglés: «bufonada») es un tipo de comedia que implica exageración de la violencia física (por ejemplo, un personaje golpeado en la cara con una sartén o que se estampa a toda velocidad contra una pared). Este estilo es muy común en los tipos de entretenimiento en los cuales se da por hecho que el público entiende (y cabe decir que espera) la naturaleza hiperbólica de tal violencia en la que se exceden los límites del sentido común, permitiendo así una risa no cruel. Sus mayores representaciones se encuentran actualmente en los dibujos animados “cartoons” y en las películas cómicas de argumentos simples, normalmente dirigidas a un público joven. Aunque a veces se utiliza el término peyorativamente, la interpretación de la comedia slapstick, basada en una medición del ritmo exquisita, una ejecución calculada al milímetro, reacción del personaje y risa del público está considerada como una de las tareas más difíciles que un actor puede realizar.
